Espectaculos

La categoría de Mejor Actriz en la 94ta. edición de los premios Oscar que se entregarán este domingo se definirá entre una mayoría de interpretaciones de personajes biográficos, entre los que se destacan los trabajos de Jessica Chastain como la televangelista Tammy Faye Bakker y de Nicole Kidman en la piel de la legendaria comediante Lucille Ball. Ambas intérpretes llegarán a la ceremonia que se llevará a cabo en el Teatro Dolby de los Ángeles con buenas expectativas para hacerse con la estatuilla este año, luego de transformarse en las ganadoras de los principales galardones de esta temporada de premios.

En ese sentido, Chastain aparece quizás como la más favorecida entre los votantes, luego de alzarse con este reconocimiento en los últimos Critics' Choice Awards y en los lauros que entrega el Sindicato de Actores estadounidense, cuyos resultados son conocidos por verse usualmente reflejados en los de la Academia de Hollywood.

De triunfar en la terna, la actriz se haría con el primer Oscar de su carrera por su labor en "Los ojos de Tammy Faye", drama dirigido por Michael Showalter que narra el ascenso y la caída en desgracia de esa popular presentadora evangelista de la TV de Estados Unidos. Para el filme, Chastain se transformó físicamente y adoptó los gestos y tonos característicos del personaje real, vista en la pantalla como una mujer entregada a la fe que aun así se permitía hablar libremente sobre su apoyo a las demandas del colectivo homosexual y sobre educación sexual. El posible galardón le llegaría tras las dos nominaciones en los premios de la Academia que la intérprete cosechó durante su trayectoria, primero en 2011 como actriz de reparto por "Historias cruzadas" y, un año más tarde, por su rol principal en "La noche más oscura".

Detrás le sigue la australiana-estadounidense Nicole Kidman, candidateada en esta ocasión por su versión de Lucille Ball en "Being the Ricardos", el filme de Aaron Sorkin que repasa los momentos clave de la vida profesional y personal de la comediante que la llevaron al éxito con "Yo amo a Lucy", la memorable sitcom que protagonizó junto a su marido, Desi Arnaz. Con gran destreza actoral, Kidman se puso en la piel de esa importante estrella de los 50 con una exigente precisión a la hora de encarnar el humor físico e histriónico que Ball ejecutaba frente a las cámaras, además de darle vida a una personalidad desafiante y firme que se presenta como el mayor atractivo de la cinta.

Si triunfara este domingo, Kidman sumaría un segundo Oscar en su haber, tras obtenerlo en 2002 por su trabajo en "Las horas", del británico Stephen Daldry, donde llevó a la pantalla a la escritora Virginia Woolf. 

Otra de las figuras que dice presente este año con el aval del público y de la crítica es Olivia Colman, que viene de recibir un lauro de la Academia en 2019 por su trabajo en "La favorita" (de Yorgos Lanthimos) y de aspirar al de Mejor Actriz de reparto el año pasado por la conmovedora "El padre".

La actriz resultó nominada por su protagónico en "La hija oscura", donde interpreta a una mujer que durante unas vacaciones conoce a una madre joven y su pequeña hija, formando un vínculo que la llevará a recordar la relación con sus dos hijas durante sus infancias. Con un tono de aflicción y nostalgia por un pasado que cuestiona y revive con mucha sensibilidad, Colman ofrece otra vez una muestra de su versatilidad e invita a reflexionar sobre la maternidad y la culpa, la inglesa logró posicionarse en la lista y aguarda para saber si se convertirá en una doble premiada por la Academia.

En tanto, la joven Kristen Stewart también dice presente en la categoría de Mejor Actriz gracias a su rol en "Spencer", filme del chileno Pablo Larraín en el que presenta una versión onírica y cargada de oscuridad de la malograda Lady Di durante los últimos días que compartió junto a la familia real británica. Esta es la primera ocasión en que la Academia le otorga una nominación a Stewart, más conocida en la cultura popular por su no tan bien recibido trabajo en la saga cinematográfica juvenil "Crepúsculo", aunque el reconocimiento le llega tras años de cultivar una madurez interpretativa que incluye títulos como "El otro lado del éxito" (2014) y "Ciertas mujeres" (2016).

En "Spencer", la protagonista puede jactarse de sostener con solidez las casi dos horas de metraje mediante este retrato de la "Princesa del Pueblo" que le permitió explorar con un interesante balance entre la suavidad y lo provocativo los momentos de mayor hartazgo e inestabilidad emocional del personaje, enmarcado por una celebración de Navidad que la reina Isabel II auspicia en su casona de Sandringham. Por último, Penélope Cruz llega con una nominación por su papel principal en "Madres paralelas", de Pedro Almodóvar, película en la que da vida a Janis, una mujer atravesada por traumas personales y político-históricos, que le valió la Copa Volpi del Festival de Venecia. Cruz, la única intérprete española que resultó candidata alguna vez a los Oscar, ya se llevó la estatuilla a Mejor Actriz de reparto por "Vicky Cristina Barcelona" (2008), y también fue nominada por "Volver" (2006) y "Nine" (2009).

Esta vez, la actriz se hizo un lugar gracias a la performance llena de matices de la madrileña Janis, una fotógrafa que encara el nacimiento de su primer hijo como madre soltera mientras impulsa la exhumación de una fosa común en su pueblo donde cree que fue enterrado su bisabuelo tras ser asesinado durante la Guerra Civil Española.

A casi un mes después de que Rusia invadiera Ucrania y más allá del significativo ruido informativo que en el presente es un escenario más de la guerra, la tensión en esa región del mundo viene en aumento desde hace años y el cine viene dando cuenta de los diferentes sucesos que fueron trazando las aristas del cruento presente.

Si desde siempre el cine sirve para explicar al mundo o al menos aporta perspectivas diferentes, en el caso de la guerra entre Rusia y Ucrania, algunas las películas se vuelven imprescindibles para empezar a entender la escalada bélica que ya suma miles de muertos y millones de desplazados ucranianos.

Con méritos mayores o menores en lo artístico, desde la ficción más inspirada hasta la crudeza documental e incluso la ciencia ficción, "Winter on Fire"; "Donbass", "Frost", "The Earth Is Blue as an Orange", "Maidan", "93: The Battle for Ukraine", "Inner Wars", "Oleg´s Choice" y "Atlantis" distopía, son solo algunos de los títulos que abordan la problemática. Si embargo, más allá de lo intrínseco de cada relato y la perspectiva que toman, todos y cada uno de los filmes comparten dos características fundamentales. Por un lado, se desprende la intención de visibilizar un conflicto que lleva décadas y que en general, era ignorado por el mundo.

Pero sobre todo, son películas que retratan el nivel de virulencia de odios cruzados que más allá de la línea que exponen y propagan los nacionalistas ucranianos y los sectores pro-rusos, impregnó desde hace tiempo a toda la sociedad. En ese sentido, este grupo de relatos dialogan involuntariamente con otros que hace poco más de tres décadas reflejaban la Guerra de los Balcanes, otra contienda bélica desdeñada por Occidente hasta que escaló y se convirtió en un asunto prioritario para Europa. Por caso y solo por citar un ejemplo, "Bure Baruta" / "Como barril de pólvora" (1998, Goran Paskaljevic), que ganó el premio de la crítica en el Festival de Venecia y en los Premios del Cine Europeo, daba cuenta en una febril noche de enfrentamientos en vísperas del acuerdo de paz, la espiral de violencia y venganza que parecía ganar a buena parte de los habitantes de la antigua Yugoslavia.

Desde la perspectiva política e incluso desde el cine, por aquello de que "la historia se repite dos veces, primero como tragedia y después como farsa", la guerra que se desarrolla en Ucrania fue ampliamente prologada por numerosos eventos que indicaban que efectivamente la región era un "barril de pólvora", un conflicto que inevitablemente iba a estallar y que el cine fue acompañando desde sus inicios y seguramente seguirá retratando.

La siguiente es una lista reducida de las películas centradas en el conflicto entre Rusia y Ucrania:

"Maidan", de Sergei Loznitsa (2014). Un documental urgente, filmado mientras ocurrían las manifestaciones a favor de un acuerdo de libre comercio entre Ucrania y la Unión Europea, que el presidente Víktor Yanukóvich había prometido y luego retrocedió por la presión de Rusia. El centro de la protesta fue la Plaza de la Independencia en el centro de Kiev, conocida como Maidan, en donde además de los pacíficos reclamos de estudiantes, se sumaron personas de todas las extracciones y también grupos ultranacionalistas y de extrema derecha, como el partido Svoboda. La película registra las protestas y la creciente tensión en el lugar con ritmo de thriller con final anunciado, que significó la muerte de decenas de personas, miles de heridos y la renuncia de Yanukóvich, aunque el acuerdo con Europa nunca llegó a firmarse.

"Winter on Fire", de Evgeny Afineevsky (2015).  El documental del ucraniano Evgeny Afineevsky, nominado al Oscar y estrenado en la plataforma Netflix, también está centrado en las manifestaciones de Euromaidan y recoge el punto de vista de los manifestantes, sin demasiadas explicaciones sobre el contexto político y social que generó la protesta.

"Frost", de Sharunas Bartas (2017).  El lituano Sharunas Bartas sigue a una pareja de jóvenes en su intento a llegar a Crimea con ayuda humanitaria. A diferencia de "Maidan" y "Winter on Fire", el realizador se ocupa de explicar el contexto que da cuenta de la adhesión de Crimea por parte de Rusia y la visibilizarían de los grupos pro-rusos convertidos en milicias y la proclamación de Donetsk y Lugansk como repúblicas populares.

"Donbass", de Sergei Loznitsa (2018).  Luego de "Maidan", Sergei Loznitsa dirigió esta ficción con la que ganó el premio a la Mejor Dirección en la sección Un Certain Regard en 2018. El relato, con largos planos secuencia, está estructurada en episodios donde se enfrentan los nacionalistas ucranianos y los partidarios de Rusia, con un tono corrosivo e incluso con pasos de comedia, que van subiendo su intensidad y muestran la violencia casi inaudita que atraviesa a toda la población.

"Atlantis", de Valentyn Vasyanovych (2019). El relato se ubica en un futuro cercano y distópico, donde terminó la guerra y Ucrania quedó devastada por el largo enfrentamiento con Rusia. Desde la ciencia ficción, la película retrata las consecuencias psicológicas para los sobrevivientes, con el componente de que los recursos naturales desaparecieron o fueron contaminados por siempre.

"The Earth Is Blue as an Orange", de Iryna Tsilyk (2020). Las personas comunes y la guerra son casi un género dentro del cine y Iryna Tsilyk elige contar la historia de una madre y sus hijos en el frente de batalla para representar a toda la población civil, inevitables primeras víctimas en todo conflicto bélico. Fuente:  Telam

Los premios anuales Producers Guild Awards, que a ocho días de los Oscar aparecen como un antecedente de peso en la principal cita del cine de Hollywood, eligieron anoche a “CODA: señales del corazón” como la mejor producción del año.

El filme dirigido por Sian Heder que aborda la historia de una familia de con discapacidad auditiva resultó el gran triunfador del Festival Sundance 2021 y viene de imponerse también en los lauros otorgados por el Sindicato de Actores (SAG Awards).

El 14 de marzo de 1972, ocurrió en Nueva York lo que muchos críticos consideran un hito del cine: la presentación mundial de “El padrino”, de Francis Ford Coppola, simultánea en cinco salas de Manhattan, con miles de espectadores que hacían fila bajo una lluvia descomunal. “Parece un funeral italiano”, comentó alguien de la televisión ante el bosque de paraguas negros que cubría cuadras y cuadras, haciendo un guiño acerca del carácter del filme, que en Buenos Aires se conoció recién el miércoles 20 de septiembre.

La forma de exhibición de películas era distinta entonces, no había estrenos simultáneos internacionales ni existían las multisalas, por lo que se realizaba una lógica jerarquización: “El padrino” no era cualquier película, se vendieron miles de ejemplares del libro original de Mario Puzo y las radios repetían a toda hora el tema principal compuesto por Nino Rota, que con los años se convirtió en un clásico. Por entonces, Coppola no figuraba aún en las ligas de los grandes directores, que en su mayoría estaban vivos porque el cine era un arte aún joven, y fuera de algunos títulos de los que muchos hablan y pocos vieron, como “Demencia 13” (1963), su único antecedente comercial era “El camino del arco iris” (1968), con bailes y cantos a cargo de Fred Astaire y la entonces popular Petula Clark.

El filme creó o cimentó el estrellato de figuras que fueron importantes en la década –Al Pacino, Robert de Niro (en la primera secuela), James Caan, Diane Keaton, Robert Duvall, John Cazale (por entonces pareja de Meryl Streep, muerto prematuramente), Talia Shire, Morgana King. El tono de la película, que algunos críticos de entonces calificaron de “grandilocuente” u “operístico”, no hacía otra cosa que trasladar a la pantalla el espíritu de la gran ópera italiana, llena de excesos, crímenes violentos, pasiones y fidelidades desenfrenadas que quienes no tenían conocimiento de esa vena peninsular no podían entender.

Por otra parte, sorprendía la reaparición como gran estrella de Marlon Brando, un actor que fue un vendaval de sensualidad viril en “Un tranvía llamado Deseo” (1951) “¡Viva Zapata!” (1952) y “Nido de ratas” (1954), todas de Elia Kazan, y luego eligió compromisos menores mientras la prensa enfocaba sus desvelos matrimoniales con la actriz bengalí-británica Anna Kashfi, con la mexicana Movita Castaneda y luego con Tarita Teriipaia, a la que conoció en la Polinesia cuando fue a filmar “Motín a bordo” (1962). Su primera aparición en el cine fue, sin embargo, en “Vivirás tu vida” (1950), en la que interpretaba a un lisiado de guerra que intentaba llevar una vida normal e incluso tener relaciones sexuales con su esposa (Teresa Wright), pero le hizo la vida imposible al director Fred Zinnemann porque, siguiendo las pautas del Actors Studio se internó un mes en un hospital para tullidos bélicos. Así marcó una conducta que influyó en otros colegas que llegaron a ser famosos.

Como era bello y deseado por las multitudes, Brando cedió al gran espectáculo con “Desirée, la amante de Napoleón” (1954), comedias como “Ellos y ellas” (1955), de Joseph L. Mankiewicz, y a las edulcoradas “La casa de té de la luna de agosto” (1956), de Daniel Mann, “Sayonara” (1957), de Joshua Logan, entre otras, pero sus trabajos se adocenaban. En “El padrino”, pese a un maquillaje que le agregaba años, Brando volvió a demostrar que era uno de los grandes, aportó una presencia patriarcal e inventó una forma de hablar que era la síntesis del inglés con entonaciones itálicas que había escuchado desde pequeño, cuando solía imitar a las personas que le llamaban la atención. Allí era Don Vito Corleone, jefe de una familia mafiosa en la Nueva York de la primera mitad del Siglo XX y la película abre con la fiesta de casamiento de su hija, en la que el Technicolor de los años 50 enaltece las ropas y el jardín donde se realiza y que levantará la vara a partir de entonces de cómo se deben pintar las épocas en la pantalla. La décadas pasadas están fotografiadas –por Gordon Willis- a través de una textura apastelada, en la que los colores suelen ser invadidos por el sepia y que aportaba ciertos filtros nebulosos, como si todo estuviera filmado desde la memoria. (...)  Telam